Campo de Papoulas em Argenteuil, de Monet

Campo de Papoulas em Argenteuil, de Monet

A diversidade cultural do Brasil

A diversidade cultural do Brasil

A diversidade cultural refere-se aos diferentes costumes de uma sociedade, entre os quais podemos citar: vestimenta, culinária, manifestações religiosas, tradições, entre outros aspectos. O Brasil, por conter um extenso território, apresenta diferenças climáticas, econômicas, sociais e culturais entre as suas regiões.

Região Nordeste: Entre as manifestações culturais da região estão danças e festas como o bumba meu boi, maracatu, caboclinhos, carnaval, coco, reisado, frevo, cavalhada e capoeira. A literatura de Cordel é outro elemento forte da cultura nordestina. O artesanato é representado pelos trabalhos de rendas. Os pratos típicos são: carne de sol, peixes, frutos do mar, buchada de bode, sarapatel, acarajé, vatapá, feijão-verde, canjica, bolo de fubá cozido, bolo de massa de mandioca, broa de milho verde, pamonha, cocada, tapioca, pé de moleque, etc.

Região Norte: As duas maiores festas populares do Norte são o Círio de Nazaré, em Belém (PA); e o Festival de Parintins, a mais conhecida festa do boi-bumbá do país, que ocorre em junho, no Amazonas. Outros elementos culturais da região Norte são: o congo ou congada, a folia de reis e a festa do divino. A influência indígena é fortíssima na culinária do Norte, baseada na mandioca e em peixes. Outros alimentos típicos do povo nortista são: carne de sol, tucupi (caldo da mandioca cozida), tacacá (espécie de sopa quente feita com tucupi), jambu (um tipo de erva), camarão seco e pimenta-de-cheiro.

Região Centro-Oeste: A cultura do Centro-Oeste brasileiro é bem diversificada, recebendo contribuições principalmente dos indígenas, paulistas, mineiros, gaúchos, bolivianos e paraguaios. São manifestações culturais típicas da região: a cavalhada e o fogaréu, no estado de Goiás; e o cururu, em Mato Grosso e Mato Grosso do Sul. A culinária regional é composta por arroz com pequi, sopa paraguaia, arroz carreteiro, arroz boliviano, pamonha, angu, cural, os peixes do Pantanal - como o pintado, pacu, dourado, entre outros.

Região Sudeste: Os principais elementos da cultura regional são: festa do divino, festejos da páscoa e dos santos padroeiros, congada, cavalhadas, bumba meu boi, carnaval, peão de boiadeiro, batuque, samba de lenço, folia de reis, caiapó. A culinária do Sudeste é bem diversificada e apresenta forte influência do índio, do escravo e dos diversos imigrantes europeus e asiáticos. Entre os pratos típicos se destacam a moqueca capixaba, pão de queijo, feijão-tropeiro, carne de porco, feijoada, aipim frito, bolinho de bacalhau, picadinho, virado à paulista, cuscuz paulista, farofa, pizza, etc.

Região Sul: O Sul apresenta aspectos culturais dos imigrantes portugueses, espanhóis e, principalmente, alemães e italianos. As festas típicas são: a Festa da Uva (italiana) e a Oktoberfest (alemã). Também integram a cultura sulista: o fandango de influência portuguesa, a tirana e o anuo de origem espanhola, a congada, o boi-de-mamão, a dança de fitas, boi na vara. Na culinária estão presentes: churrasco, chimarrão, camarão, pirão de peixe, marreco assado, barreado (cozido de carne em uma panela de barro), vinho.

Atividades

1)      Cite uma dança nordestina.

2)       A literatura de _____________ é um elemento forte da cultura nordestina.

3)      Cite dois pratos típicos do Nordeste.

4)      Quais são as duas maiores festas populares do Norte?

5)      Cite uma comida típica do Norte.

6)      Cite duas manifestações culturais típicas da região Centro-Oeste.

7)      De que é composta a culinária regional do Centro-Oeste?

8)      Cite alguns pratos típicos do Sudeste.

9)      Quais são as principais festas típicas do Sul?

Fonte: http://www.mundoeducacao.com/geografia/diversidade-cultural-no-brasil.htm

Matrizes culturais do Brasil

Matrizes culturais do Brasil

Diz-se de matrizes culturais do Brasil a formação cultural de sua população que ocorreu através da miscigenação de vários grupos étnicos. A princípio o branco europeu, o índio e o negro e posteriormente, no século XIX, a entrada de migrantes principalmente europeus. Quando os portugueses chegaram aqui, encontraram  vários grupos étnicos que possuíam semelhanças e diferenças culturais, mas foram todos considerados índios. A primeira miscigenação que ocorreu foi com o branco europeu e os índios do Brasil.

Para Portugal tornar o Brasil produtivo usou primeiramente o trabalho indígena, o qual não se mostrou eficaz. A solução foi trazer os negros, os quais Portugal já conhecia da costa africana. Esses passaram a ser escravizados no Brasil no início do ciclo da cana-de-açúcar. O negro, deslocado de sua terra e de sua cultura, foi o terceiro elemento da formação étnica do Brasil.

Do século XVI ao início do século XIX, a constituição étnica principal do Brasil foi o negro, o índio e o branco. No início do século XIX, várias mudanças estruturais fizeram com que a população do Brasil aumentasse. A vinda da família real, a necessidade de uma força armada e a grande necessidade de povoar o território figuram entre as principais mudanças.

 Em meados do século XIX a necessidade de mão de obra para a lavoura do café traria muitos migrantes em situação extremamente difícil para trabalhar nas fazendas de café. Por volta de 1850 -1930 chegaram ao Brasil imigrantes de origem europeia e alguns asiáticos. Grande levas de portugueses, espanhóis e italianos entram no país. Também chegaram alemães, libaneses e japoneses. Todos contribuíram muito com a formação cultural do Brasil, pois na nova terra manifestavam seus costumes e suas crenças, influenciaram e foram influenciados. Nossa música, nosso idioma, nossas festas populares, nossas crenças tiveram influências significativas desses povos que aqui se fixaram.

Atividades

1)      Quais são as três principais matrizes culturais do Brasil?

2)      Qual foi a primeira miscigenação que aconteceu no Brasil?

3)      Por que os africanos foram trazidos para o Brasil?

4)      Por que o Brasil recebeu levas de imigrantes em meados do século XIX?

5)      Além de nossas três principais matrizes culturais, que outros povos tiveram influências significativas na formação de nossa cultura?

Fonte: http://wwwblogdoprofalexandre.blogspot.com.br

Elementos gráficos e das formas geométricas ao longo da história da arte

Objetivo:  Perceber o emprego dos elementos gráficos e das formas geométricas ao longo da história da arte.

Elementos gráficos e das formas geométricas ao longo da história da arte

Ponto: É o elemento mais simples da linguagem visual.  O ponto foi a base do Pontilhismo, que surgiu na França, no século XIX. A técnica do pontilhismo consiste em dividir a massa da cor mediante pequenas pinceladas de tons puros. Por meio dos pontos unidos uns aos outros, os artistas exibem, nos quadros, o espaço atmosférico, a forma, a cor e as características dos objetos. Principais pintores: Georges Seurat, Paul Signac e Camille Pissaro.

Linha: A linha é uma sequência de pontos. Desde os tempos pré-históricos que o homem tem observado a linha e se serviu dela para transmitir as suas mensagens.

Formas geométricas: As formas básicas são o círculo, o triângulo e o quadrado. Sempre formadas por uma linha fechada. Uma linha curva fechada forma uma circunferência ou forma oval. Já a linha poligonal fechada forma polígonos. As principais formas poligonais são:  triângulo, quadrado retângulo, losango, paralelogramo e trapézio.

As Pirâmides do Egito são estruturas antigas construídas há milhares de anos, tem a forma triangular. A arquitetura clássica greco-romana usava o frontão.  Um frontão é um conjunto arquitetônico de forma triangular que decora normalmente o topo da fachada principal de um edifício, sendo constituído por duas partes essenciais: a cimalha (base) e as empenas (dois lados que fecham o triângulo). No Renascimento era bem comum a composição em triângulos. A composição em triângulos invertidos é uma técnica que aumenta a sensação de profundidade.

Os artistas visigodos trabalhavam o metal e a madeira com motivos geométricos. Os desenhos representavam triângulos e círculos trançados.

O Suprematismo, iniciado por volta de 1915, foi um movimento artístico russo, centrado em formas geométricas básicas - particularmente o quadrado e o círculo - e tido como a primeira escola sistemática de pintura abstrata do movimento moderno. O retângulo e a cruz também eram muito utilizados.

            A arte contemporânea usa as formas geométricas. As pinturas da Op-Art, da década de 60, passam ao observador a impressão de que são tridimensionais. Usando tons vibrantes e de círculos concêntricos para daí ideia de movimentação.

O valor simbólico e sociocultural da arte africana

Objetivo: Analisar o valor simbólico e sociocultural da arte africana.

O valor simbólico e sociocultural da arte africana

O continente africano deu origem a povos e sociedades variadas, com expressões culturais ricas e diversificadas. As representações que elaboraram dão conta de temas ligados as suas cosmologias, rituais, a seus sistemas de valores e formas de interação social. Revestida de alto valor simbólico, impregnada pelo sagrado e marcada pela força do costume, a arte tradicional africana é um poderoso testemunho da identidade e originalidade dos que a criaram e a apreciaram ao longo de sua história. São exemplos a arte pré-histórica saariana, a arte afro-cristã etíope, a arte afro-muçulmana do Mali e a estatuária em marfim e em bronze do antigo Benin.

Pela herança da escravidão, muitos rotulam as produções africanas como primitivas, deixando de valorizar a técnica de um povo que produz arte de forma bastante complexa e variada.

Fonte:  http://www.studioclio.com.br 

Artistas contemporâneos nacionais e internacionais que desenvolvem sua arte como veículo de mobilização social

Objetivo: Identificar artistas contemporâneos nacionais e internacionais que desenvolvem sua arte como veículo de mobilização social.

Artistas contemporâneos nacionais e internacionais que

desenvolvem sua arte como veículo de mobilização social

A arte contemporânea, que surgiu por volta da segunda metade do século XX, mais precisamente após a Segunda Guerra Mundial, é uma ação de ruptura com a arte moderna. Depois da guerra os artistas mostraram-se voltados às verdades do inconsciente e interessados pela reconstrução da sociedade. Logo, pensar e fazer pensar criticamente, se tornou um emblema da arte contemporânea.

Uma das formas de arte que mais exprimem a mobilização social da arte contemporânea é o grafite. Toda a cultura hip-hop, incluindo o grafite, é ato resistente numa cidade que sonega direito dos pobres. Ela ocupa, traz visibilidade, dá voz.  Além disso, o grafite tem um papel de revitalização – dá vida ao que não tem cor.  Nesse sentido, o grafite humaniza e transforma o espaço urbano. Embeleza, ao mesmo tempo em que defronta a cidade e suas contradições, obrigando-a a contemplar sua própria miséria. Projeta imagens dialéticas. Reflete outro lado da organização social da metrópole. Em cada mensagem, a denúncia pelo direito à cidade – o direito fundamental à dignidade dentro desse mosaico social.

O grafiteiro Zezão, por exemplo, procura sempre locações vazias, abandonadas, com backgrounds deteriorados. É conhecido mundialmente por seus grafites azuis nas galerias subterrâneas. Ele dá cor aos intestinos e vísceras de São Paulo.

Já Vik Muniz, trabalha com materiais inusitados. O filme Lixo Extraordinário acompanhou o trabalho do artista em um dos maiores aterros sanitários do mundo: o Jardim Gramacho, na periferia do Rio de Janeiro. Lá, ele fotografou  um grupo de catadores de materiais recicláveis, com o objetivo inicial de retratá-los. No entanto, o trabalho com esses personagens revelou a dignidade e o desespero que enfrentam quando sugeridos a reimaginar suas vidas fora daquele ambiente. Revelando o poder transformador da arte e da alquimia do espírito humano.

Na música, se destaca o RAP, que significa rhythm and poetry ( ritmo e poesia ). O RAP surgiu na Jamaica na década de 1960. Este gênero musical foi levado pelos jamaicanos para os Estados Unidos, mais especificamente para os bairros pobres de Nova Iorque, no começo da década de 1970. Jovens de origens negra e espanhola, em busca de uma sonoridade nova, deram um significativo impulso ao RAP.

O rap tem uma batida rápida e acelerada e a letra vem em forma de discurso, muita informação e pouca melodia. Geralmente as letras falam das dificuldades da vida dos habitantes de bairros pobres das grandes cidades. 

Na década de 1980, o rap sofreu uma mistura com outros estilos musicais, dando origem à novos gêneros, tais como: o acid jazz, o raggamufin (mistura com o reggae) e o dance rap. Com letras marcadas pela violência das ruas e dos guetos, surge o gangsta rap, representado por Snoop Doggy Dogg, LL Cool J,  Sean Puffy Combs, Cypress Hill, Coolio entre outros.

Fonte:

http://www.lixoextraordinario.net

http://outraspalavras.net/uncategorized/graffiti-arte-de-rua-poesia-protesto/

http://www.suapesquisa.com/rap/

A arte contemporânea como o resultado do pensamento crítico

Objetivo: Discutir a arte contemporânea como o resultado do pensamento crítico frente à problemática atual.

A arte contemporânea como o resultado do pensamento crítico

Estamos vivendo em um mundo conturbado, onde o consumo se tornou acelerado, assim como já se tornou difícil o descarte dos resíduos produzidos. A comunicação se tornou mais interativa e cada vez mais ágil. O mundo se tornou uma aldeia global com todo o seu antagonismo.  Logo, a arte assume o seu papel de comunicar ideias e sentimentos de uma sociedade tão complexa. Surge então uma Arte engajada nos problemas sociais, que tenta exprimir o pensamento crítico do mundo de hoje.

O pensamento crítico se resume na habilidade de avaliar corretamente os argumentos feitos por segundos e terceiros e ensinar técnicas/estratégias de saber como construir bons argumentos por si mesmo.

A arte contemporânea, que surgiu por volta da segunda metade do século XX, mais precisamente após a Segunda Guerra Mundial, é uma ação de ruptura com a arte moderna. Depois da guerra os artistas mostraram-se voltados às verdades do inconsciente e interessados pela reconstrução da sociedade. Sobrepôs-se aos costumes, a necessidade da produção em massa.

A arte contemporânea se mostrou mais evidente na década de 60, período que muitos estudos consideram o início do seu estado de plenitude. A efervescência cultural da década começou a questionar a sociedade do pós-guerra, rebelando-se contra o estilo de vida difundido no cinema, na moda, na televisão e na literatura. Logo, pensar e fazer pensar criticamente, se tornou um emblema da arte contemporânea.

Atividades

1)      Marque as alternativas que são características da arte contemporânea.

(   ) Está engajada nos problemas sociais.

(   ) Surgiu após a Primeira Guerra Mundial.

      (   ) Tenta exprimir o pensamento crítico do mundo de hoje.

2)      Em que se resume o pensamento crítico?

3)      Quando a arte contemporânea se mostrou mais evidente?

4)      Qual é o emblema da arte contemporânea?

Fonte:  http://www.fatece.edu.br

Relações entre arte, filosofia, indústria cultural e mídia

Objetivo: Observar obras de arte visual e comunicação, verificando as relações que estabelecem entre filosofia, indústria cultural e mídia.

 

Relações entre arte, filosofia, indústria cultural e mídia

A Filosofia é o estudo de problemas fundamentais relacionados à existência, ao conhecimento, à verdade, aos valores morais e estéticos, à mente e à linguagem. Ao abordar esses problemas, a filosofia se distingue da mitologia e da religião por sua ênfase em argumentos racionais; por outro lado, diferencia-se das pesquisas científicas por geralmente não recorrer a procedimentos empíricos em suas investigações. Entre seus métodos, estão a argumentação lógica, a análise conceptual,e as experiências de pensamento.  Arte e Filosofia se complementam como manifestações humanas. Se a Filosofia busca o conhecer, a Arte busca a expressão tanto do conhecido como do desconhecido.

A Arte é uma atividade humana ligada a manifestações de ordem estética, realizada a partir da percepção, das emoções e das ideias. O artista comunica-se com o observador através de sua arte. Com a Indústria Cultural a arte passou a ser mercadoria, se antes ela estava ligada a contemplação, hoje ela está ligada mais ao lucro.

A indústria cultural procura “moldar” toda a produção artística e cultural, de modo que elas assumam os padrões comerciais e que possam ser facilmente reproduzidas. Dessa forma, as manifestações de arte não são vistas somente como únicas, extremamente belas, mas principalmente como “mercadorias”.  Nesse contexto, a mídia toma para si o papel de veiculador desta arte que se quer consumir.

Mídia designa de forma genérica, todos meios de comunicação, ou seja, os veículos que são utilizados para a divulgação de conteúdos de publicidade. Os meios de comunicação (a TV, o rádio, os jornais, a internet...) foram ganhando importância e destaque desde sua criação, sendo a televisão o maior e mais consumido meio de comunicação de massa que a humanidade. No entanto, a internet vem ganhando cada vez mais força, uma vez que é interativa.

Atividades

1)      O que é filosofia?

2)      Por que arte e filosofia se complementam como manifestações humanas?

3)      O que a indústria cultural procura fazer com toda produção artística e cultural?

4)      O que é mídia?

Fonte:

http://www.artesefilosofia.blog.com/

http://2001semideia.blogspot.com.br/2012/12/relacoes-entre-arte-filosofia-industria.html

Literatura e gravura de cordel

Objetivo:  Identificar nas obras e imagens analisadas a presença do traço e das características do artista popular, como na gravura de cordel.

Literatura e gravura de cordel

Literatura de cordel: Também conhecida no Brasil como folheto, é um gênero literário popular escrito frequentemente na forma rimada, originado em relatos orais e depois impresso em folhetos. Remonta ao século XVI, quando o Renascimento popularizou a impressão de relatos orais, e mantém-se uma forma literária popular no Brasil. O nome tem origem na forma como tradicionalmente os folhetos eram expostos para venda, pendurados em cordas, cordéis ou barbantes em Portugal. No Nordeste do Brasil o nome foi herdado, mas a tradição do barbante não se perpetuou: o folheto brasileiro pode ou não estar exposto em barbantes. Alguns poemas são ilustrados com xilogravuras, também usadas nas capas. As estrofes mais comuns são as de dez, oito ou seis versos. Os autores, ou cordelistas, recitam esses versos de forma

melodiosa e cadenciada, acompanhados de viola, como também fazem leituras ou declamações muito empolgadas e animadas para conquistar os possíveis compradores. Para reunir os expoentes deste gênero literário típico do Brasil, foi fundada em 1988 a Academia Brasileira de Literatura de Cordel, com sede no Rio de Janeiro.

Gravura de cordel: No nordeste brasileiro foi que se desenvolveu uma das mais singulares e representativas formas da xilogravura no mundo. A xilogravura popular ligada ao folheto de cordel adquiriu uma identidade própria. Geralmente feita pelos cordelistas, gerou grandes nomes com J.Borges, Abraão Batista e Dila.

As matrizes para impressão das ilustrações são talhadas, quase sempre, na madeira da cajazeira (árvore da família das Anacardiáceas - Spondias lutea L.), matéria-prima mole, fácil de ser trabalhada e abundante na região Nordeste do Brasil.

Nas décadas de 1960 e 1970 alguns intelectuais e pesquisadores passaram a publicar uma série de álbuns com gravuras feitas por artistas populares nordestinos. Com isso a xilogravura ganhou o status de arte, além de projeção nacional e internacional. Entre esses álbuns podem ser citados: 20 xilogravuras do Nordeste, organizado por Evandro Rabello, em 1970, com apresentação de Ariano Suassuna.

Atividades

1)      A literatura de cordel também é conhecida no Brasil como ________________.

2)      O que é literatura de cordel?

3)      Por que a literatura de cordel ganhou este nome?

4)      Qual é o processo mais usado para ilustração dos cordéis brasileiros?

5)      Como são talhadas as matrizes de impressão das xilogravuras nordestinas?

Fonte:

http://casadocordel.blogspot.com.br/p/xilogravura-erick-lima.html

http://www.gravura.art.br/cordel

Compreender a utilização dos elementos visuais: ponto, linha e formas geométricas, na produção artística.

Objetivo: Compreender a utilização dos elementos visuais: ponto, linha e formas geométricas, na produção artística.

O PONTO

 Um simples contato da ponta do lápis no papel é um ponto. Ele é o elemento mais simples da linguagem visual.

Ponto Geométrico: Usado no desenho geométrico. Ponto gráfico: É o ponto usado no desenho expressivo, que foge à representação convencional e podem-se dar variações, dando-lhes dimensões.  

Existem muitas possibilidades para organizarmos composições utilizando pontos gráficos, baseando-se em ordenações abstratas ou figurativas. A preocupação que se deve ter ao organizar o campo é a ordem e a relação dos elementos dentro do plano (estética).

A LINHA

A linha é uma sequência de pontos. Desde os tempos pré-históricos que o homem tem observado a linha e se serviu dela para transmitir as suas mensagens. A linha pode ser: reta, curva, ondulada, quebrada, tracejada, mista, etc. As linhas podem formar desenhos figurativos ou abstratos.

FORMAS GEOMÉTRICAS

                As formas básicas são o círculo, o triângulo e o quadrado. Sempre formadas por uma linha fechada. Uma linha curva fechada forma uma circunferência ou forma oval. Já a linha poligonal fechada forma polígonos. As principais formas poligonais são:  triângulo, quadrado retângulo, losango, paralelogramo e trapézio.

Formas de Produção de Arte de Consumo

Objetivo: Conhecer as diversas formas de produção de arte de consumo e seus mecanismos.

Formas de Produção de Arte de Consumo

Arte, hoje, como tudo, é um produto. Arte vende, e circula na medida em que vende. Os artistas são grandes artistas e suas obras são primas na proporção quase exata de seu sucesso comercial. Arte é, deste modo, para poucos. Os poucos que podem adquiri-la a seus preços exorbitantes. É o que os especialistas em arte e profissionais do belo dizem. O mercado de arte cresce, produz-se mais, vende-se mais para assim produzir-se ainda mais.

            Há, juntamente com a arte, o kitch. Reproduções que trazem o eco de valores da elite de outrora (eterno desejo da pequena burguesia de ascender à aristocracia), a preços acessíveis à classe média, mas que são de fato coisas retrógradas e simplórias na perspectiva da estética de vanguarda – como a arquitetura colonial ou quadros “impressionistas”, por exemplo. Então, vem a avalancha de Taiwan, para as classes baixas. Isso é o mesmo para literatura, fonografia, cinematografia e demais reprodutíveis. O que não é “alta arte” – arte da elite econômica e intelectual – é melhor rotulado de “produto cultural. Não importa a origem e o meio onde circula, tudo que vige e tem espaço na contemporaneidade é, seja o que for, um produto.

Durante séculos o universo das ar­tes sofreu grandes transformações e influências. Desde a.C. vivemos a arte na Grécia e na Roma Antiga, com histórias mitológicas e as esculturas da forma humana que até hoje influenciam as formas de arte. No século passado surgiram diversos movimentos artísticos que de certa forma inovaram os traços que já existiam criando assim novas técnicas.

Um dos movimentos mais im­portantes e influentes do século XX foi a Pop Arte. Evidenciando o novo tipo de vida pós-guerra, com sua liberdade, esportivida­de, ascensão da mulher, liber­dade de locomoção e o ponto que ascende até hoje: os sonhos e fantasias de acesso social ao consumo.

A Revolução Industrial, com o desenvolvimen­to intelectual e econômico, foi um grande mar­co para a comunicação de massa, onde ocorreu a emergência da urbanidade e a racionalidade técni­ca. Assim, surge o período chamado Modernida­de na transição do século XIX para o século XX com o surgimento dos principais meios de comuni­cação: a fotografia, o cinema, o rádio, a televisão, os microprocessadores e os computadores. Com a dissociação entre o objeto e a arte surge a socieda­de de consumo. As grandes obras de arte passam a ser estampadas em capas de cadernos e objetos de uso diário. Isso fez com que os indivíduos consumissem a arte sem contemplar ou saber seu valor artístico, transformando a arte em consumo. E a Pop Arte é um produto da Revolução Industrial. A cultura pop envolveu uma mudança de atitude para com os objetos deixando de ser únicos, portanto, fizeram parte de um processo econômico que se desenvolve até hoje.

Fonte:

http://www.ciencialit.letras.ufrj.br/garrafa12/diegobraga_arte.html

http://www.upf.br/nexjor/?p=4610

O artista popular e o seu papel na arte contemporânea

Objetivo: Reconhecer a importância do artista popular para a construção da identidade regional e nacional, percebendo sua influência na arte contemporânea.

O artista popular e o seu papel na arte contemporânea

Nem sempre a importância do artista popular foi e é reconhecida no Brasil. Podemos dizer que o Movimento Modernista, iniciado com a Semana de Arte Moderna, em 1922, é considerado como um evento de ruptura, que tinha o objetivo de estabelecer uma cultura  “genuinamente nacional”, que transcendesse as especificidades regionais e garantisse a unidade da nação.

Depois surgiu o regionalismo nacionalista, que associado à valorização da mestiçagem permitia a construção de um discurso otimista sobre o Brasil e sua relação com outras nações. O pluralismo que definia a sociedade brasileira não era excludente, não causou rupturas; ao contrário, visto do plano externo, irmanava as mais diferentes regiões do país, edificando a nação.

No governo Vargas, sobretudo no Estado Novo, também durante o governo militar o regionalismo foi adotado enquanto base norteadora de políticas culturais.

Assim, ainda que o governo brasileiro tenha sofrido forte influência do ideal de modernização norte-americano, este processo não foi isento de restrições, contradições e negociações. Era necessário estar ancorado numa suposta “defesa de interesse da nação” para que ações autoritárias pudessem ser legitimadas indo ao encontro de políticas alinhadas à “ideologia de segurança nacional”. Desta forma, o regionalismo relacionado ao nacionalismo manteve-se presente no ideário intelectual e político brasileiro até o final da década de 1970.

Em tempos de globalização, este discurso em torno do multiculturalismo se acentua de forma radical. O artista popular passou a fazer parte da construção da identidade regional e nacional, percebendo sua forte influência na arte contemporânea. As identidades étnicas, regionais e nacionais são construídas em processos globalizados de fragmentação e hibridação cultural.  A partir da tomada de consciência dos mecanismos de construção das identidades coletivas, nota-se a construção de uma cultura cada vez mais homogênea, mas que não deixa de valorizar a cultura popular e regional.

Atividades

1)      Coloque F para falso e V para verdadeiro.

a)      (  ) O artista popular sempre foi  reconhecido no Brasil.

b)       (  ) O artista popular passou a fazer parte da construção da identidade regional e nacional, percebendo sua forte influência na arte contemporânea.

c)      (   ) A partir da tomada de consciência dos mecanismos de construção das identidades coletivas, nota-se a construção de uma cultura cada vez mais heterogênea.

2)      Responda.

a)      A partir de qual movimento a arte popular passou a ser valorizada no Brasil?

b)      A que estava associado o regionalismo nacionalista?

c)      Em quais governos o regionalismo foi adotado enquanto base norteadora de políticas culturais?

d)     Ate quando o regionalismo relacionado ao nacionalismo manteve-se presente no ideário intelectual e político brasileiro?

Fonte: CALIXTO, Carolina Fernandes: O Brasil regional de Freyre e Amado:
elos entre identidade nacional, história e literatura.